Los 50 personajes más emblemáticos de la historia del cine Vol 3

30- Jack Torrance - Jack Nicholson
El Resplandor
Director: Stanley Kubrick
Momento Estelar:
"Wendy vuelvo a casa", mientras su desquiciada mujer ve cómo Jack destroza la puerta del baña a hachazos.


Comentarios:
A veces, cuando hablas de cine, hay que dar la razón a algunas personas que te comentan que las mejores interpretaciones de Jack Nickolson han tenido lugar cuando ha habido un director capaz de controlar sus dotes histriónicas. Es muy cierto que ha brillado con intensidad en films en los que ha estado más comedido de lo normal. Podríamos poner como ejemplo Alguien Volo Sobre el Nido del Cuco o El Honor de los Prizzi. Pero en lo que siempre estaré en desacuerdo es en ese tópico que dice que El Resplandor es sólo un vehículo para que Nicholson se explaye y pueda lucir toda su colección de muecas. Hay un cosa que está muy clara, y es que desde que se estrenó este film Jack Torrance es el rostro del terror, su cara psicótica vista a través de una puerta astillada es una imagen icónica del cine de todos los tiempos. Como sabréis El Resplandor es un más que recomendable novela de Stephen King, que por cierto nunca ha estado satisfecho con la película. Él considera que tanto Kubrick, como Nicholson quitaron todos los matices de su Jack Torrance para convertirlo en el psicópata definitivo, y tiene razón. Pero es que Kubrick, en ningún momento, tuvo intención de hacer una película para que apreciáramos la evolución psicológica que nadie, él quería hace la "película de terror", y vaya si lo consiguió, como todo lo que se proponiá. ¿O acaso Senderos de Gloria no es la película bélica definitiva? En un estudio publicado recientemente El Resplandor ha sido declarada la película más terrorífica de todos los tiempos y estoy de acuerdo, Jack Torrance es el individuo a temer. No sólo por la mítica escena de la persecución a su familia con el hacha. Desde que se encierra con su mujer y su hijo en el hotel Overlook, Jack Torrance no nos da tregua: intrigantes visitas a habitaciones malditas, conversaciones con barmans fantasmas, esos folios en la máquina de escribir que siempre repite la misma frase... Una de las escenas que siempre me han impactado es cuando aparece es Sr. Halloran para intentar ayudar a la pobre familia. ¿Qué hace el amigo Torrance? Pues simplemente la clava un hachazo en la espalda, él no esta para tonterías. Sólo para que os hagáis una idea de la dimensión terrorífica que Kubrick quería dar al film, decidió darle a Jack Torrance un hacha mientras que en la novela usa un bate, un instrumento mucho mas impactante. Pero aunque Kubrick tenía las ideas muy claras, hay que agradecer a Nicholson y a su talento que Jack Torrance sea nuestra peor pesadilla, improvisó frases como "Wendy, vuelvo a casa" y destrozó como nadie una puerta a golpes de hacha, para lo que le ayudó ser bombero voluntario y estar acostumbrado para estos menesteres. Lo único triste es que después de este film Nicholson se negara a volver a trabajar con Kubrick, ya que acabó muy harto de sus modales despóticos. Especialmente le sublevó que hiciera repetir a Scatman Crothers (Dick Halloran) infitas veces una toma. El pobre hombre a sus 70 años acabó llorando y le dijo: "¿Qué quiere de mí Mr. Kubrick?". ¿Quién sabe con qué nos hubieran sorprendido estos dos genios si hubieran vuelto a trabajar juntos? Por cierto, imprescindible verla en versión original, ya que su doblaje en castellano es posiblemente el más nefasto de todos los tiempos.











29 - Jules Wingfield - Samuel L. Jackson
Pulp Fiction
Director: Quentin Tarantino




Momento Estelar:
Ezequiel Cap. 25 Ver. 17. "El camino del justo se ve asediado por todas partes por las iniquidades del egoísmo y la tiranía de los hombre malos. Bendito sea aquel que en nombre de la caridad y de la buena voluntad, pastorea a los débiles a través del valle de la oscuridad, pues él es el verdadero protector de su hermano, el que encuentra a los niños perdidos. Y yo actuaré con terribles venganzas y furiosos escarmientos contra aquellos que intenten envenenar y destruir a mis hermanos. Y sabréis que yo soy Yahvé cuando os aplique mi venganza".

Comentarios:
Hay actores que lo dan todo en el papel de su vida, y este es el caso que nos ocupa. Samuel L. Jackson es un gran intérprete, pero cuando se pronuncia su nombre, a la mayoría de nosotros la primera imagen que nos viene a la cabeza es el inconmensurable Jules Wingfield de Pulp Fiction. También es cierto que Quentin Tarantino ha sabido explotar como nadie las facultades interpretativas de Samuel L. Jackson, porque en Jackie Brown también hace una interpretación digan de recordarse. Pero fue en Pulp Fiction donde se conjuntaron todos los astros para dar lugar a la mejor película de los noventa. Muchos fans de la película destacan a al Vincent Vega que Travolta da vida, pero en mi opinión, aunque Vicent tiene mucho nivel, Jules es Pulp Fiction. Es el gangster cool por excelencia, esa peluca rizada y ese bigote quedarían ridículos en cualquiera que no fuera él, hasta cuando va vestido con un bañador y una simple camiseta desprende clase y actitud. Su método de trabajo es singular y nunca visto, a la historia ha pasado ese pasaje de Ezequiel que recita antes de freír a balazos a sus victimas. Sólo Jules puede usar una cartera que lleve la inscripción "Bad motherfucker" o saborear una hamburguesa cajuna y no parecer un cretino. La guinda en el pastel lo ponen los excelentes diálogos escritos para su personaje por Tarantino y Roger Avery. Para la posteridad quedan disertaciones sobre si se debe comer cerdo, crisis religiosas o sobre el aspecto de Marcellus Wallace. Es increíble ver en la última escena cuando Jules decide cambiar de vida marcado por lo que él cree que es un milagro, Pumpkin (Tim Roth) para todos es ya un hombre muerto pero en realidad el "nuevo" Jules le está perdonando la vida. Da igual estar a las órdenes de un gangster que del Todopoderoso, la actitud sigue siendo la misma. Cuando termina el film no se puede evitar sentir una cierta tristeza al pensar en el talento que pierde el mundo del Hampa: Jules Wingfield, el gangster con más clase y savoir faire.



28 - Dr. Zaius - Maurice Evans
El Planeta de los Simios
Director: Franklin J. Schaffner





Momento Estelar:
En la penúltima escena, la advertencia a Taylor, que se las promete muy felices llevándose a Nova y pensando en montar algo más que un caballo en un Edén a su medida: "Podría no gustarte lo que encuentres". El astronauta, desde luego, se dio de bruces con una desagradable realidad en una playa presidida por una conocida estatua; los amantes del cine nos topamos con una de las imágenes más impactantes del séptimo arte. Todo un icono dentro de la historia cinematográfica y cultural de la pasada centuria.

Comentarios:
2001: Una Odisea en el Espacio (1968) significa el gran cambio en el nacimiento de la ciencia ficción como un género cinematográfico que puede cruzar las fronteras de la entrañable Serie B. La otra película que ayudó a que, añoa más tardes, proyectos como Star Wars (1977) o Alien, el Octavo Pasajero (1979) acabarán materializándose sería El Planeta de los Simios (1968), film basado en el libro homónimo de Pierre Boille y que tuvo que superar muchos obstáculos hasta obtener el dinero necesario para rodarse. Es más, y rompiendo una lanza a favor de Charlon Heston, no se debe olvidar que éste fue clave a la hora de llevar a buen puerto el proyecto brindándole todo su apoyo. Pero no todo en esta vida es el vil metal y el prestigio de una figura del star system hollywoodiense, porque incluso aunque se posee un buen guión, es necesario tener a actores que sepan interpretarlo con el arte que sea menester. Y, sin duda, en el caso que nos ocupa, la elección del elenco difícilmente pudo ser mejor.
Aunque fue la fortuna la que repartió varios de los papeles, como prueba que el personaje de Cornelius (en España conocido como Aurelio) estaba destinado a Rock Hudson, aunque finalmente fuese Roddy McDowall el que se hiciera con la máscara del científico simio. Y en lo que atañe al Doctor Zaius, ocurrió algo parecido: Edward G. Robinson era el elegido para ser el ministro de Ciencia y Jefe Defensor del Bien de la civilización simia. Incluso llegó a rodar una escena de prueba en el Fox Ranch, en las montañas de Santa Monica. Junto al veterano actor, el ensaño contó también con Linda Harrison (que haría de Zira, aunque en el film sería Nova), James Brolin y el propio Heston. Pero Robinson se desmarcó del proyecto alegando que era demasiado mayor para soportar ese maquillaje a pleno sol. Hubo que buscar un substituto y encontraron a Maurice Evans, intérprete inglés que ya había trabajado con Franklin J. Schaffner en El señor de la guerra (1965).
Y aunque estoy seguro de que Robinson lo hubiera bordado, Evans supo conferir a Zaius ese carácter férreamente intransigente que lo ha hecho tan célebre. Perteneciente a los orangutanes, y conocedor de toda la verdad escondida tras el culto al Legislador, intenta acabar con el astronauta Taylor nada más percatarse de que puede hablar y acabar con todas las teorías sobre la existencia simia. Es un dirigente extremadamente conservador que jamás sería invitado a un diálogo del Fórum de las Culturas y que podría definirse con una única frase: es como George W. Bush, aunque posee cerebro y sabe usarlo en la defensa de su especie. En ese punto, y en una obra que no deja de plantear interrogantes, me pregunto: ¿hace mal Zaius en proteger a los suyos de unos seres que son capaces de destruir un planeta mediante su estupidez? En esta clase de cuestiones radica la grandeza de El Planeta de los Simios, en que las fronteras entre el Bien y el Mal se difuminan cuando se pone en cuestión al sentido común de la raza humana. En la segunda entrega, Regreso al Planeta de los Simios (1970), el doctor volvería a llevar la situación al límite ante la visita de Brent, un segundo astronauta interpretado por el actor James Franciscus, escogido por el parecido físico a Heston. El mundo simio ya parecía el principal destino turístico de la NASA y había que poner fin a tamaño despropósito.



27 - Hans Beckert - Peter Lorre
M. El Vampiro de Dusseldorf
Director: Fritz Lang




Reparto:
Como una rata acorralada buscando desesperadamente una salida, Hans Beckert tiene su particular momento de gloria en la catártica secuencia final de M, el Vampiro de Dusseldorf, asistiendo a la fuerza al juicio al marge de la ley que los bajos fondos le tienen preparado. Hasta entonces, Beckert resulta para todos nosotros un auténtico desconocido, un criminal prototípico (aunque incomprensiblemente fascinante), pero tras su axaltado y emocionante discurso acabamos por descubrir la cruda verdad: el monstruo no es más que un enfermo mental, un perturbado incapaz de reprimir sus tendencias homicidas. "Ninguno de vosotros sabe que significa ser como yo soy" alega Beckert ante una audiencia para nada interesada en escuchar sus argumentos, y más decidida en ejecutar su veganza que en hacer justicia. Atrapado más allá de las cuatro paredes de ese húmedo sótano, Beckert se enfrenta a la desesperada realidad de que jamás podrá escapar de sí mismo.

Sinopsis / comentarios:
El monstuo Beckert, terrible psicópata en la sombra de un Dusseldorf aterrado por sus horribles crímenes pedófilos, es otro de esos personajes de la Historia del Cine que nuca dejára de sorprendernos. Más allá de los límites de expresionismo alemán o del mismísimo cine negro, esta inolvidable y torturada criatura encarnada por el siempre genial Peter Lorre supone una innovadora vuelta de tuerca a la maldad en la gran pantalla, mostrando las dos caras de la moneda de un personaje repulsivo que acaba por desvelarse como una víctima de sus propios instintos. Bajo una trama nada encubierta de crónica y crítica social (su director, el legendario Fritz Lang, tituló originalmente el film M, un Asesino Entre Nosotros, como evidente paralelismo hacia el Partido Nazi, que acabó prohibiendo y censurando su obra), "El Vampiro" Beckert da vida al Horror con mayúsculas, acechando en las sombras en busca de una nueva víctima inocente. Atroz asesino de niños (y por ende, aniquilador de semillas que jamás llegaran a germinar, en clara analogía al abominable Tercer Reich), nuestro "protagonista" ofrece una nueva y revolucionaria visión del terror elevado al máximo exponente, ese que se presenta con ademanes amables y cercanos, para posteriormente devorar a su confiada presa. Cuando las alegres e infantiles notas de una melodía tan entrañable como el "Peer Gynt" de Edgard Grieg, silbadas por Beckert como preámbulo de sus horrendas acciones, se convierte en la fatal antesala de la tragedia, podemos estar seguros de que ya no hay dónde huir. El asesino, efectivamente, está entre nosotros, y ni siquiera hace falta una M (de "mörder") trazada con tiza en su espalda para reconocerlo. Lang y Lorre dan una brillante explicación de lo incomprensible, en una fábula donde cazador y presa se confunden constantemente y el peso de los pecados es un lastre cada vez más difícil de soportar.




26 - Harry Powell - Robert Mitchum
La Noche del Cazador
Director: Charles Laughton




Momento Estelar:
Inevitablemente, hay que citar la famosa escena en que Harry Powell explica a los niños "la historia del amor y el odio" usando sus manos como ejemplo de la eterna batalla entre bien y mal. Al final de la historia es el amor el que gana, lo mismo que sucede en el film, y al contrario de lo que le sucede al mismo Powell, para quien el odio ha ganado en su interior. Hay que recordar que en los 80 Spike Lee hizo su propio homenaje a la escena en Do The Right Thing (Haz lo que Debas).

Comentarios:
Uno de los personajes más célebres del cine en uno de los 10 films básicos de la historia. El tiránico y psicópata predicador que se ha hecho a si mismo, Harry Powell, interpretado por el gran Robert Mitchum, ha alimentado la imaginación de centenares de cineastas desde que La noche del Cazador se estrenara. Powell es un singular predicador que no duda en romper las leyes, ya que en su delirante psique el mismo Dios se comunica con él y le dicta qué hacer con las rameras de este mundo. Tanto es así que Powell no duda en robar o incluso matar cuando necesita algo. Es un predicador del Antiguo Testamento, un ángel vengador que ha llegado armado con su navaja, un curioso artefacto con similitudes fálicas que, curiosamente sólo utiliza con mujeres. De echo eso queda claro en la escena donde Powell presencia un espectáculo de striptease, en su cara se mezclan el interés morboso y el odio, y mientras observa a la chica su navaja se dispara y atraviesa su chaqueta. Su personaje predica el bien y hace el mal. Admira el sexo femenino pero lo mata, seduce a las mujeres pero las odia, una dualidad que queda bien remarcada en sus tatuajes: La palabra "amor" en su mano derecha y la palabra "odio" en su mano izquierda (y de echo si os fijáis, recurre a la mano izquierda del "odio" cuando usa su navaja). Harry Powell se convierte así en una especie de cruel y sangriento ogro de cuento (eso es básicamente el film) que llega incluso a "devorar" a la madre de los niños protagonistas, que encuentra su némesis en una anciana que acoge a estos niños, una especie de hada madrina. No es de extrañar que un personaje tan complejo para sus tiempos haya fascinado a tanta gente.



25 - Luke "Cool Hand" Jackson - Paul Newman
La Leyenda del Indomable
Director: Stuart Rosenberg



Momento Estelar:
La secuencia en la que engulle cincuenta huevos duros.

Comentarios:
Me imagino que muchos de vosotros, al ver el nombre de Paul Newman habríais elegido al mítico Eddie Nelson de "El Buscavidas". Pero en opinión del que suscribe estas líneas, aunque "El Buscavidas" sea también una interpretación colosal, creo que "Cool hand Luke" es la cima del talentoso Paul Newman. De entrada ya nos muestra lo injusto que llega a ser el sistema en el que nos ha tocado vivir. Dos años en una prisión por romper unos vulgares parquímetros se me antoja un castigo exageradísimo. Pero Luke ha venido a este mundo para demostrar que nada ni nadie puede doblegarle. No pueden con él ni el preso más cabrón ni el guardia más reaccionario. En ese decadente penal sureño, Paul Newman interpreta al rebelde que en realidad todos llevamos dentro. Individualismo, libertad y por supuesto rebelión contra una serie de absurdas normas establecidas, hacen de Luke Jackson el espejo en el que muchos de nosotros nos hubiera gustado vernos reflejados. Nada ni nadie podrá detenernos en su cruzada particular, sólo las balas y los siniestros métodos de los defensores del bien y la justicia podrán con él. Resulta triste y cómico a la vez que los guardias del penal sepan que nuestro protagonista está ahí por una causa injusta, el mismo alcalde se sorprende al ver su informe, pero da igual, el corrupto sistema ha dictado sentencia y se cumple. Las reflexiones morales no tienen cabida en este mundo. Dejando de lado valoraciones sobre el mundo en el que nos ha tocado vivir, me gustaría destacar el extraordinario trabajo de Paul Newman. En las dos horas que dura el film no para de sorprendernos y nos lleva de un extremo al otro. Nos encandila con su sonrisa, mezcla de bondad y picardía, y nos hace sufrir porque nos convierte en cómplices de su calvario particular. La escena mas impactante del film, es cuando sus celadores le tienen durante horas cavando y rellenando una zanja, y le amenizan el trabajo a base de golpes hasta que Luke implora que no le peguen más, que va ha ser un preso modelo a partir de ahora. Imposible que no se te estremezca el corazón verle suplicando piedad. Luego te vuelve a emocionar al ver que ha sido otro plan del "Indomable" Luke para preparar otra fuga. Para redondear esta obra maestra también habría que destacar a George Kennedy, en el papel del clásico recluso chungo al que Luke convierte en un admirador suyo a base de carisma, y a Hatty Dean Stanton interpretando clásicos del Blues como "The Midnight Special" en momentos tan dramáticos como son los castigos inflingidos a Luke tras sus fugas frustadas. Posteriormente Paul Newman seguiría forjando su mito con muchos films memorables, pero su leyenda siempre irá eternamente ligada a la del indomable.



24 - King Kong
King Kong
Momento Estelar:
Creo que no hay duda al respecto. La imagen deKing Kong escalando el Empire State Building y desafiando a los aviones que le disparan sigue siendo una de las secuencias más celebradas y recordadas de la historia del cine. Aunque tampoco hay que negar que la escena en que Kong desnuda parcialmente a su chica interesado por el descubrimiento del sexo femenino tiene un encanto muy especial.

Comentarios:
El único e increíble "King Kong" ¡El verdadero rey de la selva! "King Kong" supuso toda una revolución en varios aspectos, ya que adelanto la técnica de efectos especiales, descubrio al gran publico a Fay Wray y redefinió el genero de aventuras y terror dándole un nuevo enfoque e incluso fue la influencia básica de alguien como Ray Harryhaussen o una referencia para las futuras películas de monstruos gigantes. Pero si algo recordamos del film es a Kong, el gorila gigante adorado y temido por una tribu en su isla, un enorme simio por el que la gente aun hoy en día siente cariño. La formula era básica, Kong era un animal que empieza a albergar sentimientos hacia una chica como en una especie de nueva versión de "La Bella y La Bestia". No es violento por naturaleza, sino que recurre a la violencia cuando le "roban" a su chica, o cuando ésta está en peligro, algo que muchos hombres han hecho a lo largo de los siglos. Recordad sino el momento en que arrasa el poblado cuando el héroe rescata a la chica. Es una escena cruel que, de hecho, fue en parte censurada en su época, pero que por suerte fue recuperada hace un tiempo para regocijo de los cinéfilos. Pero aparte de crueldades entendemos sus motivos. Imaginad que estáis solos en una isla sin ninguna esperanza de sexo..., ¿Quien aguantaría eso? ¿No seria como para volverse loco? Y es que es capaz de destrozar a un Tiranosaurio pero al mismo tiempo incapaz de hacer daño a su amada, aunque pronto descubre una dura lección sobre el amor y sus consecuencias, que en su caso acaban siendo fatales.



23 - Dr. Strangelove - Peter Sellers
Dr. Strangelove - Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú
Director: Stanley Kubrick



Momento Estelar:
A punto de estallar una hecatombe nuclear, el Dr. Strangelove explica a todos sus controvertidas teorías cuando de repente, ¡se levanta de su silla! El doctor sigue hablando pero se da cuenta de que esta de pie y grita: "¡Mein Gott! ¡Puedo andar!", justo en el momento en que el mundo estalla en pedazos.



Comentarios:
Nadie como el gran e inimitable Peter Sellers era capaz de crear un personaje tan caótico, extraño y estrambótico como el Doctor Strangelove (¡Gran nombre!). Personalmente, lo considero el momento más brillante y demoledor de todas sus interpretaciones, aunque claro, esto es una opinión personal. No en vano el film de Stanley Kubrick toma el titulo de su nombre. El Dr. Strangelove es un científico alemán visionario al que poca gente entiende, y que seguramente acaba en bando americano tras la Segunda Guerra Mundial, momento en que Canto rusos como americanos se rifaron a los científicos del Tercer Reich. Algo trastornado, es la simbiosis perfecta de todos los científicos locos que han pasado por la pantalla: peinado estrafalario, acento alemán, silla de ruedas e implantes robóticos por manos. Cuando el mundo esta a punto de irse al retrete por la amenaza nuclear, los políticos toman por fin en serio sus atrevidas teorías sobre como salvaguardar la humanidad encerrando a especimenes humanos exclusivamente seleccionados por sus dotes reproductoras. Pero por muy buen científico que sea, sus propias invenciones se vuelven en contra suyo en uno de los momentos mas delirantes del film, cuando sus robóticas manos empiezan a actuar por propia autonomía y no puede evitar que le estrangulen y hagan el saludo hitleriano, dejando claro cuales eran sus orígenes.



22 - Leatherface - Gunnar Hansen
La Matanza de Texas
Director: Tobe Hooper




Momento Estelar:
Dejando a un lado la sierra mecánica como elemento inequívocamente icónico priápico (y con un protagonismo relativo en la historia, puesto que solo una persona es asesinada con dicho objeto en la película de Hooper), uno de los momentos definitorios de "La Matanza de Texas" y, por ende, de su gran protagonista, es el acontecido durante la cena familiar junto a una Sally Hardesty al borde del paroxismo. Cuando Leatherface (en este caso, el actor Gunnar Hansen) corta el dedo de la desgraciada para alimentar a su abuelito, lo hace de verdad, debido a la imposibilidad material de conseguir que brotara sangre falsa de la cuchilla. Un do-it-yourself de serie-B antológica en un sacrosanto escenario de huesos, pieles humanas forrando muebles y globos oculares a punto de estallar de pánico. La Santa Cena más extrema y demente. El Horror en familia.

Comentarios:
Figura clave del cine de terror contemporáneo inspirada libremente en las andanzas de uno de los psychos mas populares del pasado siglo (hablamos, como no, de Ed Gein), el rudo Leatherface representa uno de los antihéroes mas bizarros y carismáticos del genero. De acuerdo, hablar de carisma refiriéndonos a un matarife retrasado que ni siquiera sabe articular una palabra correctamente quizás pueda parecer algo exagerado, pero solo tenéis que recordar su impactante primera aparición en este clásico dirigido por Tobe Hooper para caer en la cuenta. Surgido de dios-sabe-donde, nuestro querido Cara de Cuero da la bienvenida a uno de sus despistados 'invitados sorpresa' a base de un certero martillazo en la crisma, para posteriormente cerrar bruscamente una puerta corredera ante nuestros atentos ojos y dejamos completamente helados. Breve, directo y aplastante. Una escena de autentico shock que sirve de brillante carta de presentación a una alucinante sucesión de instantáneas salpicadas de sangre, conformando un aterrador álbum de fotos familiar que redefine por completo el significado de la palabra 'Horror'. Leatherface, como exponente más primario y arrebatador del clan Sawyer, nos sumerge en su particular rutina del terror, a través de un enfoque inédito hasta la fecha. La familia que mata unida permanece unida, y no hay grupito de excursionistas hippies que puedan evitar algo así. Y si la matanza se resume al mero hecho de la supervivencia y las buenas costumbres, mejor que mejor. Porque si por algo se caracterizan Leatherface y los suyos es por hacemos participes de su ceremonia de lo abominable a traves de una asfixiante naturalidad que multiplica por mil la sensación de caos y locura. Cuando duermes con la muerte, rugientes motosierras, ganchos afilados y mazas para desnucar reses resultan tan básicas en tu vida diaria como el after shave o el cepillo de dientes. La legendaria mascara de piel facial de nuestro protagonista, que oculta su verdadero rostro a lo largo de todo el metraje, no es mas que eso: otro simpático adminículo, tan corriente como una simple corbata. La cotidianeidad del horror en estado puro.




21 - Captain Blood - Errol Flynn
Captain Blood
Director: Michael Curtiz







Momento Estelar:
La secuencia en la que Blood se enfrasca en un duelo de espadas con Captain Levasseur (Basil Rathbone) en las arenas de la Isla de Virgen Magra. Ese fue el momento en que Errol Flynn tuvo oportunidad de mostrarle al mundo por primera vez su excelente manejo con la espada.

Comentarios:
Sofisticado, elegante, culto, noble, arrogante. No se recuerda a ningún otro pirata con ese porte aristocrático, ese código ético... Peter Blood no dudaba en hundir su espada en el corazón de todo aquel que se atreviese a retarle, y por supuesto el era el primero en lanzarse al abordaje del barco enemigo de turno, pero por encima de todo era un hombre de principios. En una secuencia determinada de "Captain Blood", cuando Peter Blood asume el rol de capitán pirata, advierte a sus hombres que quien se atreva a robar a sus compañeros o a propasarse con una mujer, será abandonado en una isla desierta con un pedazo de pan, un poco de agua y una pistola cargada con una bala. La vida le había conducido por el camino de la piratería, pero antes que bucanero, el doctor Peter Blood se consideraba un humanista. Detenido en 1685, en la Inglaterra del Rey James II, y acusado de ofrecerle servicio medico a un rebelde, Peter Blood es enviado a Jamaica en un barco de esclavos. Una vez allí, una bella dama llamada Arabella Bishop (Olivia De Havilland), sobrina del déspota dueño de una plantación, siente compasión por el apuesto esclavo, y lo compra por diez libras. Da comienzo así la tempestuosa relación entre el futuro pirata y la elegante dama. Blood es un esclavo inusual: cada vez que es castigado responde a los golpes con una provocadora sonrisa. Nació caballero, no esclavo, y ni los trabajos forzados ni los castigos pueden hacer de el un ser sumiso y rastrero. Una serie de acontecimientos permiten que Blood tome el mando de un barco español, y con el se lleva al resto de esclavos. Es el momento de que el mundo conozca a Captain Blood. Transformado en capitán pirata, Blood anuncia a sus hombres: "Nos convertiremos en una hermandad de bucaneros. Nosotros, los cazados, ahora cazaremos. (...) ¡El mundo contra nosotros y nosotros contra el mundo!". Resignado a vagar por los mares el resto de sus días, Captain Blood solo encuentra refugio en la Isla Tortuga, un lugar sin ley frecuentado por piratas. Aunque los acontecimientos darán un giro cuando en Inglaterra el Rey James II sea destronado, y el Rey William III ocupe su lugar. Captain Blood no es el único pirata carismático de la historia del cine, el mismo Errol Flynn encame a otros piratas legendarios en la gran pantalla (imposible olvidar, sin ir mas lejos, a aquel Captain Geoffrey Thorpe de "The Sea Hawk", otro film basado en una novela de Rafael Sabatini, el hombre que ideó el personaje de Captain Blood), pero no hay duda de que Blood debería ocupar el primer puesto en un ranking de míticos bucaneros cinematográficos. Resulta curioso pensar que Errol fue elegido para dar vida a Blood de un modo totalmente imprevisto y accidental. El actor elegido inicialmente para meterse en la piel del pirata fue Robert Donat, pero por problemas de papeleo, Donat terminó apartándose del proyecto, y Jack Warner se vio obligado a buscar a un sustituto en el ultimo momento. Fue así como tome la decisión de darle la mayor oportunidad de su vida a un desconocido Errol Flynn, que en ese momento de su carrera solo había trabajado en cuatro discretísimas películas ("In The Wake of the Bounty", "Murder at Monte Carlo", "The Case of the Curious Bride" y "Don't Bet On Blondes"). Para Errol, encontrarse de la noche a la mañana protagonizando una película del calibre de "Captain Blood", diseñada para reventar las taquillas, supuso un reto considerable. No tenia experiencia come actor, pero se sentía lo suficientemente seguro de si mismo como para salir airoso del trance. Y lo consiguió, desde luego que si. En el mismo instante en que apareció en pantalla ataviado por primera vez come un pirata y guiando a sus hombres en alta mar, comenzó una nueva era para lo que en su día se conoció como "swashbuckler movies"; pelis de espadachines, bucaneros, abordajes... A lo largo de su carrera, Errol haría todo tipo de papeles, pero le recordamos, ante todo, con espada en mano en pelis come "The Sea Hawk", "The Adventures of Robin Hood", "The Private Lives of Elizabeth and Essex", "Adventures of Don Juan" o "Against All Flags". "Captain Blood" fue el primer film que Errol rodó con Olivia De Havilland, y fue también la primera vez que trabajo a las órdenes del director Michael Curtiz. Con ambos coincidiría de nuevo un buen puñado de veces en años posteriores. Blood, el pirata que vaga por los mares enamorado de una dama teóricamente fuera de su alcance, fue el personaje idóneo para presentar a Errol en sociedad. No pasaría mucho tiempo hasta que la prensa y los fans empezasen a utilizar la frase "In like Flynn", refiriéndose al actor.