Los 50 personajes más emblemáticos de la historia del cine Vol V

10 - Norma Desmond - Gloria Swanson
Sunset Boulevard - El crepúsculo de los dioses
Director: Billy Wilder



Momento Estelar:
Obviamente el momento definitivo de Norma Desmond en la pantalla as la secuencia final del film, cuando desciende lentamente por las escaleras frente a las cámaras de los periodistas, convencida de que este trabajando de nuevo a las ordenes de DeMille. Es en ese momento cuando pronuncia una de las frases definitivas de la historia del cine: "Mr. DeMille, I'm ready for my close-up".

Comentarios:
Champagne helado y caviar, cigarrillos con boquilla y ropas de leopardo... La gran mansión, el gran coche, el gran guión redactado con caligrafía infantil y aguardando tumo para devolver a la pantalla a la mas grande entre las mas grandes... Una piscina vacía llena de ratas, "fan mail" falso alimentando una fantasía, partidas de cartas con Buster Keaton... El extraño entierro de un chimpancé que dice adiós a una vida de glamour. Llamadas de teléfono desde los Paramount Studios en busca de un coche "vintage", no de una vieja estrella en estado terminal; y la vieja estrella negándose a aceptar llamadas sobre un imaginario retorno si quien las efectúa no es el señor DeMille en persona. Tristes fiestas sin invitados en un salón decorado como le habría gustado a Valentino... Es el día a día de Norma Desmond, la vieja gloria perdida en el mayor "ego trip" de la historia ya de por si surrealista de Tinseltown. Desmond, la leyenda hollywoodense mimada y protegida por su fiel mayordomo Max von Mayerling. Solo ella podría justificar su ausencia de las pantallas pronunciando la inolvidable frase: "Yo soy grande, son las películas las que se han hecho pequeñas!!!". Apartada del mundo en su patético santuario, rodeada por sus fotos, revisando una y mil veces sus viejas películas o escuchando a su fiel Max interpretando tétricas piezas con el órgano, la antaño Emperatriz del Hollywood clásico sustituye a su fallecido chimpancé con el inesperado fichaje de un apuesto gigoló, que tiene la mala fortuna de acabar formando parte del ultimo gran delirio de la Diva. "Sunset Boulevard" (aquí titulado "El crepúsculo de los dioses")... Ningún otro film ha captado con mayor realismo el estado mental de una estrella incapaz de aceptar su declive. La imagen de Desmond oculta tras sus gafas negras en el interior de su mansión, rindiendo culto continuamente a su propio ego, es la imagen de tantas otras estrellas que hoy en día habitan similares mansiones en la Meca del entertainment. El paralelismo entre la historia de Desmond y la historia de esas estrellas que todos tenéis en mente llega a producir escalofríos en algún caso concreto. Un simple ejemplo: Phil Spector, el pequeño gran hombre que ha vivido de recuerdos durantes tres largas décadas, escuchando una y otra vez las imponentes obras que le hicieron inmortal, escondido en una mansión de veintipico habitaciones, y cuya historia no habría podido tener un final mas Desmond: el asesinato a balazos en su mansión de una desafortunada victima, joven y bella, que cometió el error de caer en la red de una vieja gloria que perdió el contacto con la realidad cuando los 60's llegaron a su fin. La pobre Lana Clarkson fue para Spector lo mismo que Joe Gillis para Norma Desmond, Pero no terminemos este pequeño tributo a Miss Desmond con mal sabor de boca. Antes de apretar el gatillo, Desmond nos deleito con momentos verdaderamente cachondos. Recordemos por ejemplo a Desmond despotricando contra los coches modernos; Desmond, enemiga a muerte del cine sonoro, viéndose incomodada en los Paramount Studios por un diabólico micrófono (!!!); Desmond, la "song and dance woman", deleitando a un agobiadísimo Gillis con sus imitaciones de Charlot. El entrañable Max tiene la última palabra: "Madam es la estrella mas grande".



9 - Stanley Kowalsky - Marlon Brando
Un Tranvía Llamado Deseo
Director: Elia Kazan





Momento Estelar:
La escena en la que Blanche confiesa a Stanley que `teníamos esta cita desde el principio".

Comentarios:
Todavía cuesta escribir sobre Marlon Brando, pues su muerte sigue siendo reciente y la herida todavía sangra abundantemente. Parece que todos los homenajes que podamos hacerle se queden pequeños ante su grandeza. Hay personajes llenos de matices que hubiesen quedado huecos, simples carcasas vacías, sino llega a ser por un actor que supo convertir en arte su trabajo. Y ahí estaba Brando para dar sentido a Stanley Kowalsky, protagonista de "Un tranvía llamado deseo" (1951), ese hombre rudo, que transpira virilidad y que va ligado a la personalidad de un interprete que debió aprender a decir "no" antes que "papa" y "mama". Esa sospecha se percibe en cada gesto, mirada, en eso que ahora gustamos de llamar "actitud" que este enfant terrible exhibe en la pantalla. Pero, como todo en esta vida, tiene sus matices y el actor pensaba que el polaco no mostraba su vertiente sensible dando cuenta únicamente de un carácter violento solo comparable a su determinación: "Kowalski siempre tenia razón y nunca tenia miedo. Su ego desbordaba seguridad. Y tenía esa agresividad brutal que yo odio. Me da miedo. Detesto el personaje". Pero Tennesse Williams había quedado asombrado ante la interpretación que el actor había hecho en la obra teatral que daría paso a la versión cinematográfica. Quedo claro que "Un tranvía llamado deseo" iba a tener un claro conductor y el dramaturgo se lo hizo saber mediante un sentido telegrama: "Sigue adelante, chico, y no desfallezcas. Desde el grasiento polaco llegaras algún día al oscuro danés, ya que tienes algo que convierte el teatro en un mundo de grandes posibilidades. Siempre agradecido[b]". Totalmente cierto: Broadway yacía K.O. ante los pies de una interpretación de un personaje excesivamente duro para el publico estadounidense y [b]Elia Kazan, excelente cineasta que compaginaba la dirección con la afición a delatar a los supuestos comunistas escondidos en Hollywood, supo extraer lo mejor del entonces joven Brando. "De todos los directores que conocí, Kazan era, con mucho, el mejor. Gadg, que llevaba ese apodo por su afición a los artilugios o gadgets, es el único que me ha estimulado de verdad, se metía en el papel conmigo y prácticamente lo interpretaba conmigo". Seria injusto olvidar a la partenaire del protagonista de estas líneas: Vivien Leight. Pocas actrices pueden presumir de haber sabido interpretar a personajes llenos de tanta intensidad dramática como Scarlett O'Hara o, en el caso que nos ocupa, a la desquiciada Blanche. Eran años en los que decir que el cine era el séptimo arte se quedaba hasta corto, como las palabras para describir semejantes duelos de titanes en una gran pantalla.



8 - Tony Montana - Al Pacino
El Precio del Poder
Director: Brian de Palma



Momento Estelar:
"Chi Chi, Get the yeyo!". Un adrenalítico y cabreado Tony Montana resume, con esa frase tan espontánea, una personalidad tan ambiciosa como impulsiva. A punto de echar caza al hijo de puta que, minutos antes, había despedazado a la Leatherface a su colega Angel, y tras sobrevivir a una pequeña lluvia de balas, el Sr. Montana aun tiene tiempo para poner a buen recaudo su pasaporte a la buena vida (en este caso, unos kilitos de nieve de la mejor calidad). Con la cabeza fría en los negocios y los nervios a punto de estallar a la hora de 'hacer justicia', Tony deja bien claro que con el no se juega. Todo es valido en el camino a ser el Numero Uno. Mas dura será la caída.

Comentarios:
"En este país, primero hay que tener dinero. Cuando tienes el dinero, tienes el poder. Y cuando tienes el poder, tienes las mujeres". Con estas palabras, el entrañable Antonio Montana define perfectamente su filosofía de la vida. Pasta, poder y nenas, y no precisamente en ese orden, son las prioridades básicas del 'marielito' mas histriónico y bocazas de la Historia del Cine. Expulsado por el régimen de Castro, el amigo Montana decide alcanzar el Sueño Americano a través de la línea recta, es decir, de mano de la corrupción total en la soleada Miami de la era Reagan. Insaciable, destructivo y sin escrúpulos, Montana inicia su escalada de poder arrasando con todo lo que tiene delante, sin percatarse de que su desmedida ambición acabara por engullirle a el también. De proporciones casi místicas, el personaje mas desbocado de la carrera del genial AI Pacino es un verdadero muestrario de comicidad extrema, mala leche apocalíptica y frases para el recuerdo. El placer de la sobreactuación, mucho mas allí que el mismísimo Jim Carrey, conformando una autentica figura de culto. "Todo lo que tengo en esta vida son mis pelotas y mi palabra, y no las rompo por nadie", argumenta el gran Tony ante el capo colombiano Sosa, aportando un rudo retrato de una moralidad al limite que no obedece a mas reglas que los cojones y la fuerza. Terco como una mula y con una agresividad fuera de duda, Tony pasa de ser un matón de poca monta a encabezar un imperio de la droga de forma meteórica, y lo hace -como cualquier villano con las ideas claras- a cualquier precio. Ciego de poder, y aniquilando todo obstáculo posible, Montana acaba por destruir lo que mas quiere, descubriendo, a la fuerza, que ser el Amo del Mundo es un status que se paga muy Caro. Su apoteósico canto del cisne (`I'm Tony Montana! You fuck wit me, you fuckin' wit da best!'), entre balazos, litros de hemoglobina y montanas de coca, le convierte definitivamente en uno de los antihéroes mas icónicos del celuloide.



7 - Randle Patrick McMurphy - Jack Nicholson
Alguien Voló Sobre el Nido del Cuco
Director: Milos Forman



Momento Estelar:
Indignado por los expeditivos métodos de la zorra Ratched, McMurphy decide salirse con la suya y ver finalmente el maldito partido de baseball que les ha sido prohibido visionar a los internos. El hecho de que la televisivos este apagada no es ningún problema para nuestro protagonista, que a fuerza de imaginación y buen humor, retransmite el acontecimiento con un exaltado y contagioso speech que acaba por atrapar a sus confundidos colegas, llevándoles a sumarse a la invisible fiesta y sembrando, a su vez, un cachondo caos en la sala de actividades. ¿El resultado del match? McMurphy: 1-Mrs. Ratched: O.

Comentarios:
Magistralmente interpretado por un Jack Nicholson en estado de gracia, el indomable R.P. McMurphy es uno de los espíritus libres mas celebrados de la Historia del Cine.
Deslenguado, desafiante y siempre dispuesto a ponerlo todo patas arriba, el bueno de Mac es el refrescante baño de realidad que los internos del Hospital Mental de Oregon necesitaban para hacer frente a sus propias desgracias. Con la menopáusica y odiosa enfermera Ratched como incontestable Nemesis, Randle es el antídoto perfecto a la continua represión de emociones ejercida en dicho centro, aunque sus particulares métodos al margen del programa establecido (furtivas escapadas a alta mar, fiestas nocturnas... incluso sexo terapéutico) no sean especialmente aprobados por las altas instancias. Ni siquiera castigado con educadoras sesiones de electroshocks, Mac da su brazo a torcer, aunque la sombra de lo inevitable planee incansablemente sobre los muros de un Hospital que parece mantener el control de la situación en todo momento. En un brillante ejercicio de denuncia social, el director Milos Forman factura una emocionante historia que, mas and del pretexto de la locura, aborda un tema tan vital Como la lucha contra el sistema. Para ello, el monumental Nicholson encama como nunca la figura del rebelde que desafía a la autoridad... enfrentándose a un inevitable (y excesivo) destino que, de un modo u otro, puede entenderse como una agridulce victoria, mas allí de la muerte física. McMurphy y su pandilla de lunáticos amigos dan cuerpo al inconformismo que colisiona de cara con un ente (la sociedad, el Hospital, la jodida enfermera Mildred Ratched) que no tolera semejante comportamiento. Autentica terapia de choque.



6 - Baby Jane Hudson - Bette Davis
¿Qué Fue de Baby Jane?
Director: Robert Aldrich




Momento Estelar:
Servirle una rata con su correspondiente guarnición a su hermana para cenar.

Comentarios:
Si hay algo que Hollywood siempre ha tenido es que nunca ha mostrado ningún respeto por sus viejas glorias. Vales tanto como la recaudación de tu última película. Injusto pero siempre ha sido así. Sirva como ejemplo la triste decadencia del genuino conde Drácula: Bela Lugosi. Una de las estrellas mas rutilantes de los años treinta acabo sus días adicto a la morfina y rodando a las ordenes del Orson Welles de los despropósitos Mr. Ed Wood. No quiero decir con esto que la situación en la que se encontraban Bette Davis y Joan Crawford fuera la misma, pero a principios de la década de los sesenta si que tenían problemas para encontrar trabajo. Es increíble, pero dos de las mujeres mas importantes de la historia del cine, dejadas de lado por la industria porque ya no eran in. ¡Como si el talento entendiera de modas! Pero por otro lado hemos de dar gracias a esta situación ya que propicio que estas dos mujeres trabajaran juntas a pesar de odiarse, y nos obsequiaran con uno de los thrillers mas alucinógenos de la historia. En su época dorada no hubieran accedido a participar en este proyecto de serie B ni por todos los dólares del mundo. Como sabréis este film narra el ocaso de dos hermanas que en tiempos pretéritos habían sido auténticos estrellones ¿Coincidencia casual o mala uva de Robert Aldrich? Joan Crawford bordo su papel de la aparentemente bondadosa Blanche Hudson, pero si alguien destaca de una forma brutal es la inconmensurable Bette Davis. Tampoco podía ser menos tratándose (y aquí no acepto ningún tipo de discusión) de la mejor actriz de todos los tiempos. Su personificación de la desquiciada Baby Jane Hudson ha quedado grabada a fuego en la memoria de todos los amantes del buen cine. Es impagable verla disfrazada de niña y con esos ridículos bucles rubios durante toda la película. Cierto es que Miss Davis estaba especializada en representar a mujeres con muy mala hostia, recordad a la perversa Regina Giddens de "La Loba". Pero la serie de tropelías a la que somete a su hermana inválida la sitúan como una especie de abuela de Darth Vader. Le prepara exquisitos manjares para cenar, la inmoviliza en una cama y como colofón le aísla totalmente del mundo exterior. Por supuesto hay ración de buen rollo para todo aquel que se cruza en su camino, ya sea vecino, banquero o la mujer de la limpieza. Curiosamente los momentos mas emocionantes vienen cuando en pleno viaje esquizofrénico vuelve a ser la niña prodigio Baby Jane y nos deleita con su hit infantil "I've Written a Letter to Daddy". La escena final en la playa es estremecedora cuando totalmente trastocada juega y baila en la playa como si tuviera diez años Uno de los alicientes de la película es que esta filmada en un excelente blanco y negro que realza mas su esperpéntica cara cubierta de maquillaje. Fijaos hasta donde llego esta interpretación que tratándose de un producto de bajo coste, la inigualable Bette consiguió su onceava nominación al oscar, que por supuesto no ganó. Quizás si hubiera recibido el codiciado galardón hubiera vuelto a ser una actriz a tener en cuenta, pero tristemente se tuvo que conformar con seguir participando en modestas producciones durante el resto de sus días. Pero todo esto da igual, quizá no sabremos que fue de Baby Jane, pero si sabemos que Bette Davis fue la actriz con mas talento que ha pasado por este planeta.



5 - Joe Clay - Jack Lemmon
Días de Vino y Rosas
Director: Blake Edwards


Momento Estelar:
La escena en la que Joe intenta resistirse ante la propuesta de su mujer, completamente borracha, en un motel: "Estoy sola. Tómate un traguito conmigo".

Comentarios:
Cuando murió Jack Lemmon sentí lo que muchos de vosotros: no solo había fallecido un artista de la interpretación, sino mucho mas: un amigo, parte de nuestra memoria y, sobre todo, una manera de hacer y entender el cine. Ni siquiera las palabras pueden llenar ese sentimiento de desamparo y desolación, salvo imaginar todas sus películas. Una de ellas sería "Días de vino y rosas" (1962), donde interpretaba a Joe Clay que, junto a su esposa, Kristen Arnesen (la actriz Lee Remick), se sumerge en el pozo sin fondo del alcoholismo. Son personas normales y corrientes: el es un relaciones públicas y ella, una secretaria de una gran empresa. Blake Edwards sorprendió a propios y extraños al introducir la sombra de la dependencia del alcohol poco a poco haciendo que asistamos a una primera parte que parece una de sus acostumbradas comedias para ir pasando, sin prisa pero sin pause, a un verdadero infierno tenido de "delirium tremens".
Ambos gozaran de esas grandes jornadas a las que se refiere el titulo llevados por un placer etílico ilimitado, que les hará entrar en razón al percatarse de que su estilo de vida no es el mas apropiado para educar a su hija. Jack esta tan maravilloso como siempre (¿quién no encuentra soberbia una película como "El apartamento" (1960)?) dando piel a esa persona que nos podemos encontrar un día en el metro, pero que acaba viviendo una existencia en forma de pesadilla. "Nos hemos convertido en unos borrachos. Esa es la única razón de que me hayan echado de cinco empleos en un afro", confiesa. El film demuestra que Edwards era capaz de cruzar la frontera de la comedia para adentrarse en el drama y que edemas lo podía hacer sirviéndose de Lemmon, un actor que nos tenía acostumbrados al humor. Pero siendo más fácil hacer llorar que reír, ¿a quien puede sorprender que juntos lograran esculpir esta joya? Curiosamente, el director, que además de la película mencionada, ha rodado obras del calibre de "La pantera rosa" (1964), "Desayuno con diamantes" (1961) o "El guateque" (1968), no tenia ningún Oscar en su haber hasta el año pasado, cuando obtuvo una estatuilla honorífica, ese premio con el que la Academia aplaude una carrera estelar íntimamente ligada a su miopía. Vergonzoso.



4 - Terry Malloy - Marlon Brando
La Ley del Silencio
Director: Elia Kazan




Momento Estelar:
En el asiento trasero de un taxi, y en compañía de su hermano Charley, Terry Malloy descubre la triste realidad en la que se encuentra. Sintiéndose vació y abusado, lo que mas hiere a nuestro protagonista es enfrentarse al hecho de que su propio hermano, la persona en quien mas confiaba, fue uno de los traidores que le llevaron a convertirse en un secundario, siempre en el banquillo. "Yo pude haber tenido clase, pude haber peleado por el titulo. Pude haber sido alguien en lugar de un pobre infeliz", sostiene el entrañable Terry ante su atormentado hermano, para acto seguido fulminarle -con amarga ternura- con un "Fuiste tu, Charley..." que desarma cualquier posibilidad de replica. Uno de los momentos mas memorables en la Historia del Cine. Arte con mayúsculas.

Comentarios:
Obra maestra del Séptimo Arte, "La Ley del Silencio" tiene el oscuro estigma de ser un (a todas luces magnifico) vehículo destinado a limpiar la malherida conciencia de su director. Todos sabéis de la participación de Elia Kazan en la maccarthiana Caza de Brujas, contra la supuesta incursión del comunismo en Hollywood y la polémica que todo ello origino, por lo que no es ningún secreto que el cineasta decidiera recrear en esta historia de firmeza, honestidad y buena conciencia su particular visión del asunto. La justificación de la delación, simple y llanamente, extrapolada al duro ambiente portuario y a su mafia organizada. De todos modos, dejando a un lado esa lectura y centrándonos en la película en cuestión, "La Ley del Silencio" es una autentica joya del celuloide, y presenta a uno de esos personajes definitivos del mundo del Cine: Terry Malloy, héroe multidimensional que traza a lo largo del metraje una fascinante parábola plagada de constantes conflictos morales y lucha interior. Boxeador fracasado, el bueno de Terry se gana la vida como estibador en un puerto de Nueva York, consciente de formar parte de un sistema de corrupción y crimen organizado que ni siquiera reprocha... hasta que su vida toma un giro de ciento ochenta grados, despertando su conciencia dormida tras verse participe de un crimen que podía haber evitado. Bajo esa premisa, Malloy, cansado de verse derrotado por la vida una y otra vez, decide enfrentarse a sus capos y denunciarlos ante la autoridad, aun sabiendo que su querido hermano es una de las piezas claves de la organización. Honor y valor en estado puro de mano de un héroe urbano que no esta dispuesto a tirar la toalla por segunda vez y que, huyendo de la coartada moral que escondía el guión de esta obra de arte, nos hace participes de una evolución que revoluciono todo tipo de esquemas en el mundo del celuloide. Puro Brando.




3 - Darth Vader - David Prowse
Star Wars
Director: George Lucas




Momento Estelar:
Un general del imperio le dice que deje un poco de lado esa religión de la Fuerza. Darth Vader empieza a estrangularle usando sus poderes mientras pronuncia la frase "Nunca menosprecie el poder de la fuerza".

Comentarios:
"Pronto vendrá el emperador y no es tan magnánimo como yo". Estas palabras pronunciadas por cualquier lugarteniente de tres al cuarto no tendrían mucha importancia, pero si quien las dice es Lord Vader, adquieren una dimensión aterradora. Darth Vader es la personificación de la maldad, es cierto que hubo un tiempo en que estuvo en el lado positivo de la fuerza, pero eso ya quedó muy atrás. Cayó en el reverso tenebroso, donde demuestra unas cualidades más que notables para el mal. Recuerdo perfectamente cuando asistí al estreno de "Star Wars". La primera vez que aparece Lord Vader en escena: la respiración pesada, totalmente ataviado de negro de la cabeza a los pies y esa voz grave que no inspira la mas mínima confianza. Desde ese día tanto yo como miles de niños, tuvimos a Darth Vader en nuestros cerebros, algo normal si hablamos del malvado definitivo de la historia del cine. No se me ocurre nadie que haya representado tan bien lo que es la maldad en una pantalla. George Lucas creo este mítico personaje tomando elementos del Dr. Doom (el villano de Los 4 Fantásticos) y de Hakaider (un superhéroe japonés), y dio forma a una parte de la historia del cine. Se rumorea que otra idea que tuvo Lucas, fue que Orson Welles pusiera la voz a nuestro villano. ¿Os lo imagináis? Charles Foster Kane y Darth Vader sembrando el terror por la galaxia. Menudo dúo. Pero Darth Vader no es para nada el clásico malo cobarde y sin ideales, el tiene muy claro que se debe al lado oscuro de la fuerza y al siniestro emperador. Cuando las cosas se complican es el primero en desenfundar el sable láser y enfrentarse a quien haga falta, incluido su propio hijo. En toda la trilogía encontramos momentos excelentes protagonizados por Lord Vader, mata a su antiguo maestro Obi-Wan Kenobi, le corta una mano a su hijo para convencerle de que se una a su causa, pero hay una escena que creo que refleja muy bien su personalidad. En "El Imperio Contraataca" Darth Vader entrega a un congelado Han Solo al caza-recompensas Boba Fett delante de un atónito Lando Calrrisian, este le increpa diciéndole que ese no era el trato convenido. ¿Respuesta de nuestro amable protagonista? "De gracias de que no cambio mas cosas". Así es Darth Vader, las cosas siempre pueden ser mucho peores. Aunque al final de la trilogía se redime de sus pecados y mata al emperador, poco importa, es un dato sin importancia, incluso sientes cierta tristeza de que abandone el lado oscuro, su misión en esta vida era sembrar pánico allá por donde pasara. ¿Quien quiere al meapilas de Anakin Skywalker de vuelta? Creo que nadie. Como dato completista decir que el tipo que iba dentro del oscuro disfraz se llama David Prowse, por supuesto a nadie le interesa su vida pero el intenta explotar el filón y tiene una web dedicada a Lord Vader. Creo que este es uno de los casos en que la riqueza del personaje es tan grande que poco importa quien estuviera disfrazado, podría haber sido cualquiera. Para colmo ni usaron su voz, el honor finalmente recayó en James Earl Jones, el si que puede poner en su curriculum que su voz es la del lado oscuro de la fuerza.



2 - Travis Bickle - Robert de Niro
Taxi Driver
Director: Martin Scorsese



Momento Estelar:
"Algún día llegara una gran lluvia que barrera toda esta escoria de las canes", murmura para sus adentros el antihéroe Bickle, asqueado ante el habitual paisaje de prostitutas, proxenetas, drogadictos y pervertidos que le acompañan en sus recorridos nocturnos con su ataúd amarillo por la ciudad de Nueva York. Una podredumbre que servirá de piedra angular a la justificación de sus propias obsesiones. Testigo de un Infierno en la Tierra que no este dispuesto a tolerar por más tiempo, Bickle decide atribuirse una labor purificadora que de un mínimo de sentido a su torturada existencia.

Comentarios:
Santo Patrón de los Inadaptados, Travis Bickle ha pasado a la Historia como uno de los antihéroes más fascinantes del Séptimo Arte. Todos conocéis de sobras las andanzas del inmortal personaje creado por Scorsese y Schrader, y a quien un irrepetible De Niro dio cuerpo y alma de manera tan magistral... sobran las explicaciones a la hora de afrontar una existencia tan compleja e insondable como la del atormentado ex-Marine Bickle. Aquejado de un insomnio crónico, heredado de su experiencia de pesadilla en Vietnam, Travis trabaja como taxista de tumo de noche en la ciudad mas decadente de la América de los 70's, Nueva York, llevándonos de paseo a través del lado salvaje y putrefacto de la vida, y dándonos la oportunidad de ser testigos de excepción de su constante degradación como ser humano. Como cualquier americano medio, confundido y abrumado por una resaca social asfixiante (Vietnam, la revolución cultural de los 60's, el affair Watergate, el aumento en los índices de criminalidad, las drogas...), Travis se define como un hombre solitario ("I'm God's lonely man'), un inadaptado victima de las circunstancias que vera como su inicial malestar e incomprensión acabaran por crecer hasta limites insoportables. Incapaz de relacionarse con los demás, Bickle no es más que un alma en pena cuyos fallidos intentos por encajar en un mundo que parece no entenderle acabaran por transformarle en una bomba andante. Momentos antológicos como la cita en un cine porno con la angelical Betsy (Cybill Shepperd), la bizarra conversación con el taxista 'The Wizard' (Peter Boyle) o la especial relación de Travis con Iris, la joven prostituta encarnada por Jodie Foster, son ejemplos palpables de la enmarañada personalidad de nuestro protagonista, sumido en una psicosis que le coloca en un estado completamente distinto al del resto de los mortales y que le llevara a un inevitable status mental de 'Arcangel' suburbano a la fuerza. La grand finale en el prostíbulo regentado por el chulo Sport (Harvey Keitel) servirá de sangrienta coartada existencial a su agitada 'misión'. Cansado de ser un espectador pasivo de toda la mierda que le rodea (otra escena definitoria: en la mas absoluta soledad -más allá de su habitación-, el paranoico taxista destroza en silencio su aparato de televisión), Travis Bickle pasa a la acción en uno de los crescendos más espeluznantes y crudos que james se hayan podido ver en la gran pantalla.



1 - Don Vito Corleone - Marlon Brando
El Padrino
Director: Francis Ford Coppola




Momento Estelar:
"Le haré una oferta que no podrá rechazar".

Comentarios:
Ultima estación de este fascinante viaje por el mundo del séptimo arte. Nos encontramos en New York, en una suntuosa casa en la que se este celebrando una majestuosa boda. La novia se llama Connie Corleone, pero nosotros dejaremos que disfrute de su gran día e iremos a ver a su padre al despacho. Tendremos que esperar, hay cola. Es una costumbre siciliana para un buen Don atender las peticiones de los invitados en cualquier celebración que se precie. En realidad solo estamos hache para mostrarle nuestro respeto al Don. Parece que Luca Brassi ya sale del despacho. Cuando Don Corleone nos recibe besamos su mano y le llamamos Padrino, y le damos las gracias por ser el personaje que mas nos ha emocionado desde una pantalla. Don Vito Corleone es sin ningún tipo de duda el personaje más grande de la historia del cine. ¿Cuántas personas han fantaseado con ocupar su jugar en ese entrañable despacho? Creo que demasiadas. Gracias al tesón de Francis Ford Coppola, Marlon Brando consiguió dar vida al Capo mafioso por excelencia del cine. La grandeza del Don hizo que antes de que se empezara a rodar tuviera pretendientes muy cualificados: Edward G. Robinson, Orson Welles, George C. Scott... Estoy convencido de que cualquiera de estos tres colosos hubiera estado a la altura de las circunstancias, pero Brando puso el nivel tan alto con esta magistral interpretación, que a día de hoy solo hay y habrá un Don. No creo que Vito Corleone represente el lado amable de la Mafia como he oído decir alguna vez, sino más bien una vertiente con rasgos de humanidad. Don Vito nos enseña que los capos pueden tener sentimientos y no ser solo gente que ordena muertes porque si. ¿Violencia? Por supuesto, pero solo como ultimo recurso y sino que se lo pregunten al director de orquesta que no quiere liberar de su esclavista contrato a Johnny Fontane. Resulta muy difícil no cogerle aprecio a Don Vito desde el mismo momento en que aparece en pantalla. En realidad el es solo un pobre chico que huye asustado de Sicilia y llega a un nuevo mundo que no le recibe precisamente con los brazos abiertos. Empezando desde cero construye un imperio pero solo para proteger a el y los suyos de un mundo que les es hostil. Don Vito es un hombre sencillo que disfruta con cosas sencillas: jugar con sus nietos, saborear un buen vino, comprar fruta...Pero un detalle que le engrandece es su fuerte sentido de la amistad. Contar con la amistad del Padrino hace que uno se sienta seguro y por encima de los demás mortales. Queda muy claro cuando le dice al tonto del culo de Buonasera: "Si hubieras cultivado mi amistad, yo hubiera hecho míos a tus enemigos". El mismo Brando quedo fascinado cuando leyó el excelente libro de Mario Puzo, vio a Vito Corleone como un gangster muy diferente, que rompía con la imagen de asesinos que habían tenido hasta entonces en el cine. Curiosamente para hacer esta interpretación Brando utilizo trucos tan sencillos como embetunarse el pelo o ponerse kleenex en la boca, y decidió usar ese timbre de voz ronco copiado del capo Frank Costello que a partir de entonces será uno de los gimmicks de la mayoría de jefes mafiosos en cualquier película."El Padrino" será la película que devolverá a Brando al Olimpo cinematográfico. Marlon Brando y Vito Corleone, dos nombres que a partir de entonces irán indisolublemente unidos, ya que sin ningún tipo de duda son el mejor actor y el mejor personaje de la historia del cine.