Los 50 personajes más emblemáticos de la historia del cine Vol 4

20 - John "Johnny Boy" Civello - Robert de Niro
Malas Calles
Director: Martin Scorsese
Momento Estelar:
Muchos, pero puestos a tener que escoger uno, me quedaría con la escena de la pelea en los billares. Subido a una mesa empieza a repartir patadas y golpes con el taco de una forma totalmente histérica. Me perece una perfecta muestra de su esquizofrénica personalidad.

Comentarios:
La colaboración entre Robert De Niro y Martin Scorsese ha producido algunos de los episodios mas importantes de la historia del cine. En mi modesta opinión el momento álgido de su trabajo conjunto es "Taxi Driver". Pero "Malas calles" fue el inicio de esta fructífera alianza. Aun faltaban tres años para la aparición de Travis Bickle, pero su antecesor Johnny Boy también se ha ganado un sitio en nuestros corazones. "Malas calles" es un film sobre la Mafia, pero aquí no hay grandes capos ni millones de dólares en juego. En las calles de Little Italy nos encontramos con gangsters de medio pelo para los que su gran hazaña es timar 20 dólares a unos fumetas o meterse con un pobre sarasa. En medio de este deplorable mundo están Charlie Cappa, magistralmente interpretado por Harvey Keitel, Theresa y su primo, el aberrado Johnny Boy. El representa el colega que nadie de nosotros querría tener, pero para Charlie es su amigo, y aunque intenta ayudarle y protegerle no hay manera de hacer entrar en razón a este pozo de problemas andante. Desde que empieza el film este encantador personaje hace todo lo posible por amargar la vida a los que le rodean ¿Por que? Simplemente no tiene cerebro. Les debe dinero a todos los fiadores del barrio, pasta que por supuesto no tiene la mas mínima intención de devolver, pasa del trabajo que Charlie le ha conseguido, dispara desde los tejados porque si, no tiene respeto por nada ni por nadie, cuando descubre la relación que mantienen en secreto Charlie y su prima epiléptica suelta esta lindeza: "¿Cuando se corre le coge un ataque?", en realidad es como un niño que nunca llega a calibrar la medida de sus actos. Con esta actitud no se llega muy lejos en un mundo tan sórdido como Little Italy, y todo se precipita cuando uno de sus fiadores le reclama seriamente la pasta. Aunque no tiene el dinero, Charlie le hace acudir a la cita y hasta le presta algo para quedar mínimamente bien. El simpático Johnny Boy en deferencia a su amigo quema literalmente la pasta, le pone una pistola en la cabeza al gangster y le llama gilipollas. Para Charlie, Theresa y Johnny es el final. Pero es lo que acostumbra a suceder cuando depositas lo confianza en un tarado. Johnny Boy, el prototipo del perfecto imbécil, pero también el hombre que presentó en sociedad el descomunal talento de Bobby De Niro.

19 - Marnie - Tippi Hedren
Marnie, la ladrona
Director: Alfred Hitchcock
Momento Estelar:
El momento en el que Sean se declara a Hedren en el coche. Ella confiesa: "Yo soy Marnie, una ladrona y una embustera". EI replica: "Pues desgraciadamente me he enamorado de una ladrona y una embustera". Una interpretación en la que la actriz recuerda mucho a esa elegante frialdad de Catherine Deneuve.

Comentarios:
No podía faltar en una lista así una película vinculada a uno de los dioses del celuloide. Estoy hablando de Alfred Hitchcock, un genio cuya adicción a las actrices rubias alcanzo sus momentos más álgidos con Nathalie Hedren, mas conocida como "Tippi", madre de Melanie Griffith. Pero aparquemos el anecdotario -imprescindible en esta glosa- por unas pocas líneas y centrémonos en Marnie como personaje: cleptómana compulsiva y atormentada por su pasado seduce a un Sean Connery que ya intenta zafarse de la alargada sombra que proyecta James Bond sobre el. Este film supuso una oportunidad para intentar huir del personaje creado por Ian Fleming, aunque sea persiguiendo a una hermosa mujer llena de complejos y problemas psicológicos. El origen del personaje se encuentra en la novela homónima de Winston Graham, cuyo argumento había gustado mucho a Hitchcock, que vio en ello el anzuelo perfecto para convencer a Grace Kelly de que era la ocasión perfecta para volver ante las cámaras. Pero la entonces princesa de Mónaco decline la oferta, aunque testimonios como el de Jose Luis de Vilallonga afirmen que se aburría como una verdadera ostra en la pretendidamente glamourosa corte monegasca. Ante esa negativa, y tras su excelente interpretación en "Los pájaros" (1963), se opto por "Tippi" Hedren, que ya tuvo que soportar el asedio sexual del cineasta durante ese rodaje. La mala uva del director de "Vértigo" llegó a su punto mas álgido cuando en Navidad le regale a la pobre Melanie una muñeca que era la replica de su madre y ¡que estaba encerrada en un ataúd! No entiendo como esta mujer decidió volver a trabajar con un hombre así aunque fuera una oportunidad profesional difícil de rechazar, sobre todo teniendo en cuenta que era el mismo Hitchcock quien le había abierto las puertas de Hollywood. En esta ocasión, el mago del suspense volvería a la carga con renovados ánimos y, en un momento dado, llegó a proponer relaciones sexuales a la actriz. Ante la negativa, Hedren pasó a ser simplemente "esa chica", y el obeso director no volvió a hablarle, dirigiéndose a ella únicamente a través de terceras personas. Sus sentimientos habían sufrido un duro revés. Pese a ello, la pobre "Tippi" lo estaba pasando fatal y probablemente parte de ese desasosiego se capta en esa Marnie que no permite al pobre Mark Rutland, un cínico hombre de negocios que se enamora perdidamente de ella, que le ponga una mano encima. Sin duda, eso podría ser muy parecido a lo que ocurría tras las cámaras y los cables del plató, y que posibilite esa tensión interpretativa de una mujer que cometió en su niñez un asesinato que se transformó en un trauma de por vida. La realidad, aunque de una forma algo triste, ayudo a hacer más creíble la ficción. Por ultimo añadir todavía una curiosidad: la primera película importante de Alfred Hitchcock se titulaba "The Lodger" (1927), traducida al castellano como "El enemigo de las rubias". Francamente premonitorio.



18 - Alonzo, The Armless Man - Lon Chaney
Garras Humanas
Director: Tod Browning
Momento Estelar:
La secuencia clave del film es, sin duda, cuando Nanon y Malabar le comunican a Alonzo la noticia de su boda, y este se da cuenta del terrible error que ha cometido al amputarse los Brazos. El dolor que expresa Chaney con su rostro en esas imágenes es algo difícilmente descriptible. Se trata de uno de los momentos más desgarradores que hemos presenciado en una pantalla de cine.

Comentarios:
Uno de los triángulos amorosos mas oscuros de la historia del cine: Alonzo, el hombre sin brazos, la bella Nanon (una Joan Crawford de 18 anitos, que en realidad de bella tenia poco; el film lo rodó antes de hacerse la cirugía estética) y Malabar, uno de los forzudos con un look mas gay que hemos podido ver en una pantalla. Alonzo en realidad tiene brazos, pero los oculta para ganarse la vida como freak lanzador de cuchillos en un circo hispano, y este perdidamente enamorado de Nanon, que como siempre sucede en estos casos, le considera "solo un amigo". El trío protagonista convive en el circo, del que es propietario Zanzi, padre de la deseada Nanon. El falso hombre sin brazos, que oculta una deformidad (una mano con dos pulgares), liquida a Zanzi, y Nanon presencia la escena, aunque solo alcanza a ver un detalle de la anatomía del asesino: su mano deforme. Si a eso le sumamos el hecho de que Nanon se siente una mujer objeto y le horroriza que los hombres la rodeen con sus brazos, y recordamos que se trata de una película de Tod Browning, es evidente que al atormentado Alonzo solo le queda una salida: ¡amputarse los dos brazos! Acompañado por su fiel compañero, un enano que atiende al nombre de Cojo, Alonzo chantajea a un cirujano para que satisfaga sus deseos. La historia tendrá un cruel desenlace, cuando Alonzo se reúna con Nanon y esta le anuncie que ya no le angustia ser abrazada por los hombres y que planea casarse con el forzudo Malabar. A partir de ahí, los acontecimientos darán un giro radical. El film, "Garras Humanas" (titulo original: "The Unknown"), surgió a partir de un relato escrito por el propio Browning, titulado "Alonzo, The Armless Man", y resulta difícil imaginar la conmoción que debió provocar cuando se estreno en 1927. Un sujeto tan oscuro como Alonzo, amputándose los brazos por un amor imposible... Definitivamente no parecía la trama idónea para entretener a las masas en los alegres años 20, y de hecho algunos críticos la consideraron una película aberrante en su día, pero el público amaba todo lo que hacia Chaney. Pese a tratarse de un relato tan salido de madre, el actor se las arreglo para hacerlo creíble. Le ves sufriendo, atrapado en el inhumano corsé que utilizó durante el rodaje, y desde luego crees que Alonzo es capaz de amputarse sus brazos por amor. Cuentan que, entre toma y toma, Browning le preguntaba en ocasiones a Lon si quería despojarse del corsé durante unos minutos, y el actor se negaba a hacerlo; la acumulación de sufrimiento, a su juicio, beneficiaba a su actuación. Joan Crawford, que por aquel entonces era una teenager recién llegada a Hollywood, contemplo las técnicas masoquistas de Chaney con absoluta fascinación. Era evidente que ese hombre se dejaba la vida en el plató.
Al no poder utilizar sus brazos en gran parte del film, Lon basa su actuación en su expresividad facial, y realmente dio una lección magistral al respecto. Con su rostro mostró deseo, ilusión, maldad, sufrimiento... Podemos verle ilusionado como un quinceañero que acaba de enamorarse cuando Nanon le abraza; nos estremecemos al contemplar el sufrimiento en su rostro cuando Nanon le comunica que va a casarse con Malabar; nos atemoriza cuando planea la terrible forma de acabar con Malabar... Sin duda, el amigo Browning encontró en Lon, una vez más, al individuo perfecto para protagonizar una historia ya de por si turbia y extraña. El director no solo ideó el que seria uno de los personajes mas oscuros de su cine, sino que nos obsequio ademes con algún momento especialmente retorcido, como cuando Alonzo acude a ver a Nanon, tras la operación, por vez primera sin brazos, ella le palpa y le dice: "Estás mas delgado. ¿Has estado enfermo?", a lo que el responde: "No he estado enfermo, pero he perdido algo de carne"... ¿Podéis imaginar una frase mas "disgusting", teniendo en cuenta las circunstancias?, ¡he perdido algo de carne!; definitivamente es una escena 100% Browning. En la época, se dijo que Lon aprendió a lanzar cuchillos y a fumar con los pies para hacer el papel de Alonzo, pero la verdad es que se vio obligado a utilizar un doble. El sujeto en cuestión atendía al nombre de Dismuki, y para aprovechar el tirón del film giro durante una temporada con un circo, anunciándose como "The Man Who Doubled For Lon Chaney's Legs in `The Unknown"'.



17 - Jett Rink - James Dean
Gigante
Director: George Stevens
Momento Estelar:
Me quedo sin lugar a dudas con el portentoso momento en que Jett Rink borracho y solo en la fiesta en su honor, muestra por única vez sus verdaderos sentimientos, cuando tras haber triunfado en los negocios a lo largo de los años admite que su vida ha sido un total fracaso.


Comentarios:
Poco después de su muerte todo lo relacionado con James Dean interesaba a todo el mundo. Parecía que toda una generación se hubiera obsesionado con su figura, tanto que el estreno de "Gigante" se recuerda como uno de los más esperados de la historia. En ella nos encontramos con la más madura de las tres interpretaciones que nos han quedado de Dean, la de Jett Rink, el cowboy que vende todos sus ideales por el amor que siente por una mujer y por su odio hacia su marido. Jett Rink llena toda la pantalla desde el mismo momento que aparece en ella desbancando al resto de personajes. Se trata de un personaje guiado por la venganza que acaba traicionando todo aquello que ama, convirtiéndose así en una parodia exagerada de todo aquello que ha odiado a lo largo de su vida, y que acaba corrompiéndose con todo lo malo de la sociedad. En el vemos reflejados un cúmulo de sentimientos extremos, todos menos la compasión, ya que incluso acaba teniendo un romance con la hija de la mujer que realmente ama y del hombre al que odia, movido tanto por amor como por venganza. Todo un logro para James Dean, que en esta ocasión se muestra menos rompedor que en sus anteriores films, pero mucho mas reflexivo y maduro... ¡Y lo consiguió en tan solo tres películas! Nos dejo con las ganas de saber que podría haber pasado mas adelante, puede que todo hubiera sido diferente, pero podíamos contar con que nos hubiera sorprendido con alguna interpretación magistral.



16 - Charles Foster Kane - Orson Welles
Ciudadano Kane
Director: Orson Welles
Momento Estelar:
Su discurso político en el podio con su inmensa fotografía a sus espaldas. Más ego imposible.

Comentarios:
Cuando intentas acercarte a una personalidad y a un talento como el de Orson Welles, te das cuenta de que aunque hoy en día se realicen algunos films interesantes y todavía encontremos intérpretes y directores con talento, es evidente que el nivel ha bajado estrepitosamente. Si ha habido algún personaje contemporáneo que pueda considerarse como un hombre renacentista ese es Orson Welles. Terrorífico locutor de radio, director de una compañía teatral, consumado actor, mejor director y hasta mago ocasional. ¿Hay alguien así hoy en día? Creo que no. Lo que resulta asombroso es que "Ciudadano Kane" fue su debut en el mundo del séptimo arte. El solito dirigió e interpreto esta obra imperecedera con tan solo 25 anos. Una persona con su talento y su genialidad no estaba dispuesto a debutar en el cine con una película correcta, el tenia que hacer la película definitiva con el personaje definitivo, y con estas humildes premisas nació Charles Foster Kane. En realidad la figura de Kane esta basada en la vida del magnate de la prensa William Randolph Hearst, uno de los hombres más poderosos de su tiempo, y aunque Orson Welles siempre lo negó hay datos que confirman esta teoría. La famosa palabra "Rosebud" que pronuncia Kane es un termino que usaba Randolph Hearst para referirse a las partes intimas de su amante Marion Davies, y el mismo magnate intento sabotear el estreno del film porque sabia que la gente tendría un retrato nada agradable de su personalidad. Kane es rico y poderoso, usa el dinero para comprar lo que le apetece, incluidas las personas. Quizás sea el megalómano por excelencia de la historia del cine. Su palacio Xanadu deja en evidencia a cualquier príncipe árabe. ¿Que su amante quiere ejercer el Bel-canto?, le construye una opera, no hay limites para el poder de Kane. No duda en destruir a nadie si se interfiere en sus aspiraciones. Su entrada en política es digna del dictador mas desquiciado, con esos carteles con su cara que ocupan metros y metros. Pero será su mismo juego sucio, el que se volverá en su contra, y ni todos sus periódicos le salvaran de su fracaso político. Pero lo que Kane no comprende es que el dinero no compra la felicidad de las personas, y acabara sus días en Xanadu con la única compañía de sus sirvientes e invocando un objeto tan simple como es "Rosebud". Aunque el film no fue un éxito de taquilla en su momento, la critica si que cayo rendida ante el talento de Orson Welles, y es que su interpretación es un autentico Tour de Force. Aguanto interminables sesiones de maquillaje para aparentar con credibilidad el envejecimiento de Kane, se fracturo un tobillo en la escena en la que cae por las escaleras y se hizo cortes en la muñeca al dar demasiado realismo cuando destroza la habitación de su segunda mujer. "Ciudadano Kane" sin lugar a dudas el mejor debut en la historia del cine y posiblemente una de las mejores películas de todos los tiempos.



15 - William "Hill" Kilgore - Robert Duvall
Apocalypse Now
Director: Francis Ford Coppola



Momento Estelar:
En la playa, no se puede desperdiciar ninguna palabra de su discurso: "¿Hueles eso? ¿Lo hueles, muchacho? Es napalm. Nada en el mundo huele así ¡Que delicia oler napalm por la mañana! Un día bombardeamos una colina y cuando todo acabó, subimos. No encontramos un solo cadáver de esos chinos de mierda. ¡Qué pestazo a gasolina quemada! Aquella colina olía a... victoria. Algún día acabara esta guerra...".


Comentarios:
Una playa de un rió de Vietnam en plena guerra entre la US Army y Charlie, el implacable enemigo rojo que hizo que Tío Sam volviera con el rabo entre las piernas a casa. ¿Un lugar y momento idóneo para practicar el surf? Para la mayor parte de los mortales la respuesta seria un "no" claro y rotundo. Pero para William "Hill" Kilgore, teniente coronel del Noveno de Caballería, transformado en un regimiento de helicópteros mas propio del siglo XX, es un lugar adecuado. Y esa decisión nos regalo una de las escenas mas grandes de una de las mejores películas de cine bélico jamás rodadas: "Apocalypse Now". Debemos la poderosa magia que emana esa interpretación, el magnetismo que impregna cada uno de los gestos de este singular personaje, a uno de los grandes intérpretes que ha dado el cine estadounidense: Robert Duvall. Es, ha sido y será un hombre recordado por papeles secundarios, aunque su presencia es de las que marcan la diferencia entre una buena película y una obra maestra. Ahí queda la saga de "El Padrino" para demostrar esta afirmación. En su capacidad para abordar personajes tan distintos entre si se encuentra la fuerza de este militar capaz de ser un caballero al recriminar a un soldado que no de de beber a un enemigo herido: "A un hombre que tiene huevos para luchar con las tripas fuera no le niego un poco de agua". Ese rasgo de grandeza no es obstáculo para que le oigamos pedir apoyo aéreo a voz en grito demostrando un total desprecio por los norvietnamitas e incluso por su propia tropa: "¡Gilipollas! ¡Llenadme ese bosque de bombas! ¡Bombardead a esos retrasados mentales!". Un sujeto francamente desconcertante.



14 - Alex De Large - Malcolm Mcdowell
La Naranja Mecanica
Director: Stanley Kubrick
Momento Estelar:
Las escenas de la terapia son tan impactantes que el espectador puede llegar a sentir en su piel todo el sufrimiento que se vive en la pantalla.

Comentarios:
Vendaval de ira incontrolada, hijo bastardo de un coito entre odio y locura, encantador imitador de Belcebú... Su nombre es Alexander De Large, el engranaje mas letal de "La Naranja Mecánica", esa pequeña pieza de relojería que convierte en horror y miedo todo lo que encuentra a su alrededor. Sólo un maestro como Stanley Kubrick era capaz de conseguir lo que Francis Ford Coppola haría con "El Padrino": que una versión cinematográfica estuviese a la altura de la novela que fue su origen, escrita en 1962 por Anthony Burgess.
Pero no todo el merito debe caer en la nómina del perfeccionista cineasta: era necesario un reparto con carácter y un protagonista que supiese hacer creíble la repulsiva agresividad de la que hace gala el personaje. Y en ese punto, Malcolm McDowell fue la elección acertada, pues su rostro refleja esa lasciva maldad que se esconde tras un joven delincuente que hace de la descarnada violencia su letal carta de presentación. El propio Kubrick confesaría que "si Malcolm no hubiese estado disponible, no hubiera hecho la película". No le faltaba razón al maestro de maestros, pues se trata de uno de esos actores cuyo particular rostro prácticamente le esta dictando papeles de cínico, malvado a cualquier otro sibarita de las tinieblas. No en vano, también puso su arte interpretativo al servicio de "Caligula" (1979), en el film pseudorerotico del inclasificable Tinto Brass. La repulsión que se siente por los drugos, conducidos por su líder, a una orgía de despiadada violencia dejo atonitos a los espectadores de la época. Una vez mas la dicotomía entre el Bien y el Mal adquiere muchas lecturas: ¿es Alex una victima de una sociedad fría e incomprensiva? O, añadamos mas leña al fuego: ¿es solo un vanidoso que escucha a Beethoven mientras engrandece su ego a base de atacar a inofensivos ciudadanos? Preguntas que cada uno debe responderse a si mismo en la tranquilidad de sus hogares.
En todo caso, la inapelable crudeza de sus imágenes hizo que las ventas de la novela crecieran y que esta adquiriera esa categoría de clásico solo reservada a las grandes obras. Paradojas del destino: en 1986, Burgess sorprendió a propios y a extraños al afirmar que hubiese deseado que su libro cayera en el olvido. Por suerte, ahí estuvo el artífice de "Senderos de gloria" para evitar que tamaña joya fuera victima del ostracismo.



13 - Frank Booth - Dennis Hopper
Terciopelo Azul
Director: David Lynch

Momento Estelar:
En una entrada triunfal que merece ser recordada como una de las apariciones mas enfermizas y fascinadoras del cine contemporáneo, Frank Booth somete a la torturada Dorothy a un cruel juego sexual, mostrando todas sus fobias y filias con la tranquilidad del que no se siente observado. Un trago de bourbon y un subidón con su mascara de oxigeno (de contenido todavia desconocido) son mas que suficientes para que Frankie se deje llevar por el carroussel de los extremos: de 'papaito' a 'nene' en un tiempo record, Booth amenaza, agrede, suplica y se humilla, y todo bajo un motto grabado en fuego en su desquiciada cabeza ("Baby wants to fuck blue velvet'). Sigmund Freud hubiera hecho un gran negocio con el.


Comentarios:
De todos los personajes que conforman el infranqueable y retorcido Universo de David Lynch, Frank Booth es -sin duda- el más memorable. No solo es uno de los villanos mas despreciables y crueles del mundo del cine, sino que además es un cabronazo con autentica clase. Frank es un tipo elegante, odia la cerveza caliente, su lista de amistades es poco menos que selecta y nunca duda en mostrar su lado más sensible cuando escucha su canción favorita. Un genuino galán de las sombras obsesionado con el terciopelo azul, a quien la condición de sádico chantajista con horrendo gusto para los disfraces y pasmosa habilidad para incluir la palabra 'fuck' en todas sus conversaciones no hace más que acrecentar su leyenda. Como surgido de una pesadilla sin sentido, Mr. Booth es el Hombre del Saco que jamás hubiera esperado encontrar el curioso Jeffrey Beaumont en sus inocentes aventuras detectivescas para escapar de la rutina diaria en su perfecto y aburrido pueblo de postal. Desatado y violento, y con un excepcional talento para joder al personal, el magnético Frank as uno de esos malvados con un fondo demasiado negro y profundo como para ser comprendido en su totalidad, y precisamente ahí radica buena parte de su 'grandeza'. En una de las escenas mas fascinantes del film, Booth se emociona con el playback de Roy Orbison (la preciosa "In Dreams") que le regala su afeminado a inquietante colega Ben, desmoronándose por momentos para, posteriormente, estallar en ira contenida, victima de sus propios secretos, dando una monumental vuelta de campana al prototípico rol de villano loco y dotando de una extraña a irresoluble naturaleza a un personaje que, como suele ser habitual en la obra de Lynch, sugiere mas que aclara y hace de las preguntas sin respuesta su mejor baza. Crimen, sexo perturbado, substancias prohibidas y labores de cirugía cruda y sin licencia que emulan libremente a Buñuel... "Está oscuro", repite una y otra vez Booth a lo largo del metraje de "Terciopelo Azul", sin ni siquiera saber que se esta refiriendo a su propia alma.



12 - Cody Jarret - James Cagney
White Heat - Al rojo vivo
Director: Raoul Walsh
Momento Estelar:
Seria injusto hablar de Cody Jarrett y no mencionar el clásico final del film cuando provoca su propia muerte atrapado en una refinería en pleno ataque de locura gritando su famosa frase: "Made it Ma! To the top of the world, Ma!" No hay duda de que se trata de uno de los momentos mas celebrados de la historia del cine de gangsters, y una de las escenas mas recordadas de la filmografía de Cagney. Fue tanta su influencia que la frase "On top of the world" acabe adaptándose al slang americano y sigue usándose hoy en día.


Comentarios:
Uno de los personajes más memorables que el inigualable James Cagney brindo al séptimo arte. Hacia más de diez anos que no interpretaba un gangster, el tipo de personaje que le había lanzado a la fama, cuando Cagney acepto trabajar de nuevo con un director amigo suyo, Raoul Walsh en 1949 para llevar a cabo esta especie de biopic de un atracador neurótico, salvaje, asesino y epiléptico que vive bajo la sobreprotección de su madre. Cagney no solo ofreció su arte sino también algunas brillantes ideas a los guionistas indicándoles que tomaran como ejemplo para la caracterización de Jarrett el caso real de Ma Baker y uno de sus hijos, Arthur, creando así uno de los gangsters mas interesantes de la posguerra. Jarrett, es por tanto, un personaje totalmente alejado de la imagen romántica y caballeresca que el público tenia de los atracadores y que el propio Cagney había ayudado a crear con films como "The Roaring Twenties" (también dirigida por Walsh). Jarrett es un puro maniaco, un sociópata incapaz de mostrar el mínimo cariño por ninguna persona, exceptuando quizá su madre (con quien mantiene una enfermiza relación con un claro complejo de Edipo) que le ayuda a dirigir su banda de forajidos. Ahí tenemos esas imágenes de Jarrett siendo arropado por su progenitora cuando le aquejan sus terribles dolores de cabeza, o su brutal reacción ante la muerte de esta (uno de los momentos álgidos del film, que tiene bastantes, por cierto) cuando parece volverse totalmente loco encerrado en la prisión, y ataca a todo lo que se le pone por delante. En cierta medida, aunque Cagney siguió ofreciendo grandes interpretaciones, este fue su canto del cisne en lo que a films de gangsters se refiere, y uno de sus momentos más inspirados.



11 - Motorcycle Boy - Mickey Rourke
Rumble Fish - La ley de la calle
Director: Francis Ford Coppola
Momento Estelar:
Los peces, el río... y Falconetti dispuesto a solucionar una cuenta pendiente.

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"Si diriges a la gente tienes que tener a dónde ir"... Esa inolvidable frase del Chico de la Moto, resume mejor que ninguna otra el "mindfuck" que sufre el antihéroe mas emblemático de los 80's. A sus 21 anos, Motorcycle Boy es ya toda una leyenda en su barrio para críos como Rusty James, quien no solo es su hermano sino también su fan mas devoto. El pobre Rusty suena con ser algún día como su ídolo. "Cuando sea mayor voy a parecerme mucho a el", le comenta Rusty al super-nerd Steve, pero este le explica el motivo por el que jamás podré equipararse a su hermano: "Nunca sé lo que este pensando el Chico de la Moto. Sin embargo siempre se lo que estés pensando tú". Para alguien como Rusty, que vive perdido en un mundo de fantasías, donde las bandas callejeras todavía son algo relevante, no hay nada más grande que el Chico de la Moto. "The Motorcycle Boy Reigns" es una de las frases que recuerdo con mas cariño de los ya lejanos 80's. El personaje del Chico de la Moto era tan jodidamente cool, que sentías deseos de escribir esa frase en todas las paredes de la ciudad. Ignoro cuál debe ser la percepción de alguien que se acerque por primera vez a un artefacto como "Rumble Fish" en el 2004, pero en 1983 fue algo tan impactante... Las famosas imágenes de las nubes, Tom Waits midiendo la vida en veranos, Rusty callejeando en busca del siguiente navajazo, aquella excepcional banda sonora de Stewart Copeland, la bellísima Diane Lane mostrándole su lencería a Rusty en sueños, unos jovencísimos Nicolas Cage y Chris Penn ejerciendo de pandilleros, Falconetti dispuesto a borrar del mapa al héroe de la película (reflexionad sobre ello: este cabrón se cargo al Tom Jordache de "Hombre rico, hombre pobre" y al Chico de la Moto!!!), Hopper amorrado a la botella y... claro que si, ese enigmático Motorcycle Boy, medio sordo y daltónico, que ve la vida "como una TV en blanco y negro con poco volumen', y que este harto de ser una versión moderna del Flautista de Hamelin. La que se supone que fue la década mas plástica y artificial (algo muy discutible, desde luego), nos brindo a uno de los antihéroes mas reales que se recuerdan. Motorcycle Boy vive tal confusión interior, que difícilmente podría haber encontrado su lugar en este mundo. "Hasta las sociedades mas primitivas tienen un innato respeto por los locos", comenta el Chico de la Moto. Es momento, pues, de mostrarle nuestros respetos y visionar una vez mas "Rumble Fish".